Malerei des Barock

Merkmale der barocken Malerei

In den bildenden Künsten werden im Auftrag der herrschenden Schichten religiöse und mythologische Szenen dramatisch mit bewegten, kräftigen Körpern und bühnenmäßiger Inszenierung und Gestik dargestellt [die BRÜDER AUGUSTINO CARRACCI (1557–1602) und ANNIBALE CARRACCI (1560–1609), DOMENICHINO (1581–1641), GUIDO RENI (1575–1642), CHARLES LE BRUN (1619–1690)]. Legendäre Wunder und Martyrien erhalten durch drastischen Detailnaturalismus den Anschein des Realen. Das repräsentative Bildnis des Herrschers [ANTHONIS VAN DYCK (1599–1641), HYACINTHE RIGAUD (1659–1743)] wird durchgängig vorbildlich für die allerdings auch zeitweise in handwerklicher Massenproduktion betriebene Porträtkunst.

Von Rom aus verbreiten sich die tiefräumigen, wohlgebauten, oft mythologisch staffierten „idealen Landschaften“ [ADAM ELSHEIMER (1578–1610), CLAUDE LORRAIN (1600–1682)]; später entsteht die archäologische oder topographisch getreue Vedute [GIOVANNI PAOLA PANNINI (1691–1765), GIOVANNI ANTONIO CANALETTO (1697–1768), BERNADO BELOTTO, genannt CANALETTO (1721–1780)], die im „Capriccio“ FRANCESCO GUARDIs (1712–1793) eine phantasievolle Abwandlung erfährt bzw. bei GIOVANNI BATTISTA PIRANESI (1720–1778) zur dramatischer Vision großer Vergangenheit wird.

Kennzeichnend ist ein ausgeprägt lebensnahes vergegenwärtigendes Bildverständnis mit einer entsprechend reichen Syntax und Vollkommenheit der Beobachtung und Darstellung. Das tendenziell vorherrschende Selbstverständnis des Künstlers als das eines Virtuosen in der perfekten Naturnachahmung als Resultat der Bildfantasie eines Künstlers. Hier hat auch das in der Kunsttheorie verbreitete Modus-Verständnis seinen Platz, das zum Teil zu einer neuen (akademischen) Hierarchie der Genres führte.

Die Bilder fordern auf eine neue Weise die Wahrnehmungskraft des Betrachters heraus, der die Kunst der Beobachtung und Selbstbeobachtung auch in seinem alltäglichen Leben brauchte. Die reiche und natürlich wirkende Bildform begünstigte ein „... Ausleben der Affekte im Zusehen ...“ (NORBERT ELIAS, 1897–1990).

Das schließt auch die Spannung zwischen Freude an den Dingen, der Natur und der Erkenntnis einerseits und andererseits den Zweifel an des Menschen Beständigkeit, an der Gewissheit seiner Wahrnehmung und an seiner Fähigkeit, die Affekte zu beherrschen. Zugleich wird die neue Fülle des Gegenständlichen, der Wahrnehmung zugänglich, geordnet, klassifiziert, noch einmal in universelle Zusammenhänge eingebunden (Jahreszeitfolge u.a. in der Landschaftskunst; Fünfsinn-Darstellungen u.a.m.).

Eine wachsende Rolle begann der Kunsthandel zu spielen, mit ihm ist, besonders in Holland, die Entfaltung des „mobil“ gewordenen Tafelbildes als profanes Handelsgut widersprüchlich verknüpft. Dazu gehört auch die große Bedeutung der Zeichnung und des Entwurfs, die auch Sammelgegenstand werden.

Der Wille zur monumentalen Repräsentation und zum absolutistischen Machtanspruch verliert gegen Ende der Epoche an Gültigkeit. Die Fürstenhöfe, der Adel und auch die Geistlichkeit entdecken den Reiz und die Schönheit einer Welt fern der großen Gesten des barocken Pathos. Kirchenräume werden zur Bühne gemacht. Dekoration und Plastik wirken fast überladen und mit verspielter Leichtigkeit organisiert. Die genialen Ideen eines GIOVANNI LORENZO BERNINI (1598–1680) sind nicht vergessen, leben aber in kleineren Gesamtkunstwerken fort und erfahren gelegentlich eine Spur von Witz und Ironie. Am Übergang zum Rokoko entfaltet der Barock noch einmal die ganze Fülle seiner Fantasie, die nun über Ernst, Schwere und Pathos triumphiert.

Freskomalerei

Mit der Architektur eng verbunden ist die Freskomalerei. An den großen Kuppeln und in den Tonnengewölben der Barockkirchen konnte sich die Malerei wieder entfalten. In den Palästen der mächtigen römischen Familien, der Päpste und ihrer Nepoden fand die weltliche Kunst ihren Ausdruck.

Der düsteren Wucht der Malerei MICHELANGELO DA CARAVAGGIOs (1571–1610) stellte der Bologneser ANNIBALE CARRACCI eine helle schönfarbige Bildwelt entgegen, die an RAFAEL (1483–1520), MICHELANGELO (1475–1564) und CORREGGIO (1489–1534) geschult war.

Im Festsaal des Palazzo FARNESE – einem der großartigsten Dekorationsprogramme des römischen Frühbarock – konnte CARRACCI seine Idee von einer Wiederkehr des „goldenen Zeitalters“ der Renaissance am besten verwirklichen. Das Hauptbild der Deckenmalereien zeigt in dynamischer Komposition den Triumphzug des liebestrunkenen Dyonysos und der Ariadne in Begleitung orgiastischer Tänzer und Musikanten. Der Wirklichkeitsgrad zwischen Gemaltem, Reliefhaftem und Vollplastischem in figürlichen Motiven, Rahmungen der Bildfelder und Architekturelementen ist hier kaum zu unterscheiden.

Sein Können stellte CARRACCI auch in seinen Ölgemälden unter Beweis.

Tafelmalerei

Der Bahnbrecher der barocken Tafelmalerei ist MICHELANGELO DA CARAVAGGIO. Er war in Mailand TIZIANs (um 1485–1576) Schüler und wirkte hauptsächlich in Rom und Neapel. Bei seinem Bild „Die Bekehrung des Saulus“ ist vom religiösen Gehalt des Bildthemas wenig zu spüren. Offenbar kam es dem Maler darauf an, gut durchzeichnete Körper bei starker Bewegung in komplizierten Perspektiven im dramatischen Spiel von Licht und Schatten zur Schau zu stellen.

Wie VELAZQUEZ war auch der Flame PETER PAUL RUBENS (1577–1640) ein Mann von Welt und in fürstlichen Diensten tätig. Er ist der unumstrittene Gründer und Hauptmeister der flämischen Barockmalerei, die im katholischen Flandern viele große, oft spezialisierte Meister mit Weltgeltung hervorbrachte. RUBENS wirkte in Antwerpen. Als er dort 1640 starb, hinterließ er über 1.000 Bilder.

Das Selbstbildnis mit seiner Frau ist eines der wenigen Werke, in denen sein privates Glück zum Ausdruck kommt. Sein eigentliches Thema sind aber die großen Dramen der Bibel und der antiken Mythologie. Die ganze Dynamik und Bewegtheit der Barockmalerei zeigt sein Bild „Höllensturz der Verdammten“.

In dem vergleichsweise kleinen Gemälde der „Amazonenschlacht“ steigert sich diese Polarität zum mythischen Kampf der Geschlechter. Jeder Mann, jede Frauenfigur und jedes Pferd sind erfasst von einem kreiselnden Bewegungsstrom, der das ganze Bild erfüllt. In die entfesselten Leidenschaften mischen sich die Elemente. Wasser, Luft, Erde und ein Feuer, das zum Gleichnis von Krieg und Liebe wird. Seine figürlichen Malereien oft üppig proportionierter weiblicher Figuren und auch die dramatischen Jagdszenen sind typisch barocke Darstellungen meist stark bewegter Vorgänge.

In dem gerade selbstständig gewordenen protestantischen Holland entwickelte sich im Zeitalter des Barocks eine Malerei, dessen sich nicht jedes Land rühmen kann. Ohne Vorgeschichte und Übergang hat sich zu Beginn des 17. Jh. eine eigene Schule entwickelt, die das ganze Land künstlerisch prägte.

„Die Nachtwache“ ist sein wohl bekanntestes Werk. REMBRANDT bricht hier – sehr zum Unmut seiner Auftraggeber – mit den althergebrachten Traditionen repräsentativer Gruppenporträts und will im Triumph des Lichtes über die Finsternis eine neue Bildidee verwirklichen, die zugleich von dem für ihn typischen schonungslosen Realismus in den Einzelporträts begleitet wird. Eigentlich nebensächliche Details wie ein kleiner Hund oder ein Mädchen, das durch die offene Aufstellung der Mitglieder der Schützengilde huscht, lockern die ohnehin dynamische Komposition zusätzlich auf.

Seine Akteure sind keine Helden, sie sind einfache, ja oft hässliche Menschen. REMBRANDT ist der Maler der Seelentiefe und der Verinnerlichung. Wenn er Szenen aus der Bibel malt, verzichtet er auf allen Prunk. Wie CARAVAGGIO hat auch REMBRANDT Licht und Dunkel zur Dramatisierung seiner Bilderzählungen eingesetzt. In der nächtlichen Szene mit der „Kreuzabnahme“ leuchtet die Gruppe mit dem toten Christus geheimnisvoll auf und kündet vom Licht des Göttlichen in einer dunklen Welt.

Im 18. Jh. gab es in Deutschland keinen Deutschen, der Weltgeltung erlangen konnte. Auch die Tafelmalerei des aus Frankfurt (Main) stammenden und in Italien tätigen Malers ADAM ELSHEIMER leidet oft an einer geradezu manierierten Übersteigerung der Beleuchtungsgegensätze.