Malerei der Romantik

„Das Klassische nenne ich das Gesunde und das Romantische das Kranke. Und da sind die Nibelungen klassisch wie der Homer, denn beide sind gesund und tüchtig. Das meiste Neuere ist nicht romantisch, weil es neu, sondern weil es schwach, kränklich und krank ist, und das Alte ist nicht klassisch, weil es alt, sondern weil es stark, frisch, froh und gesund ist. Wenn wir nach solchen Qualitäten Klassisches und Romantisches unterscheiden, so werden wir bald im reinen sein.“

JOHANN WOLFGANG VON GOETHE an ECKERMANN, 02.04.1829

Allerdings war die Romantik kein ganz einheitlicher Stil, weder der Form, noch den Themen nach. Die englische Malerei der Romantik sieht ganz anders aus als die französische oder die deutsche.

In England (WILLIAM TURNER, 1775–1851) und Deutschland (CASPAR DAVID FRIEDRICH, 1774–1840; PHILIPP OTTO RUNGE, 1777–1810) überwiegen landschaftliche Motive, in Frankreich (EUGÈNE DELACROIX, 1798–1863; THÉODORE GERICAULT, 1791–1824) dramatische Historienbilder.

Die englischen und französischen Künstler bevorzugen einen offenen Pinselduktus und interessieren sich für Farbwirkungen, die Deutschen tendieren zu einer gedankenschweren Feinmalerei.

HEINRICH VON KLEIST (1777–1811) hat das gesehen. In den „Berliner Abendblättern“ vom 13. Oktober 1810 schrieb er:

„Das Bild liegt mit seinen zwei oder drei geheimnisvollen Gegenständen wie die Apokalypse da ... und da es in seiner Einförmigkeit und Uferlosigkeit nichts als den Rahmen zum Vordergrund hat, so ist es, wenn man es betrachtet, als wenn einem die Augenlider weggeschnitten wären.“

Denn das ist nicht einfache Naturdarstellung, sondern vom Künstler gefilterte:

„Der Maler soll nicht bloß malen, was er vor sich sieht, sondern auch was er in sich sieht. Sieht er aber nichts in sich, so unterlasse er zu malen, was er vor sich sieht.“
(Notiz von CASPAR DAVID FRIEDRICH)

die zweite Fassung, auch „Der kleine Morgen“ genannt, 1808/09 geschaffen. Beide befinden sich in der Kunsthalle Hamburg.

Bei einer Reise durch Marokko (1831/32) entdeckte er den gesetzlichen Zusammenhang von Farbwirkungen im Licht und im Schatten: Die drei Primärfarben rot, blau und gelb korrespondieren mit den drei sekundären orange, grün, violett. Diese Einsicht wurde für DELACROIX zur Grundlage für den Farbaufbau seiner Bilder – denn für ihn war, anders als für die Klassizisten, die Farbe das wesentlichste Bildelement, nicht die Kontur.

JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT (1791–1824) – „Das Floß der Medusa“

Großes politisches Aufsehen erregte der Maler JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT (1791–1824) mit seinem in unruhigen Hell-Dunkel-Kontrasten gehaltenen Gemälde „Das Floß der Medusa“, 1818/19. Es schildert die Folgen eines Schiffsunglücks an der westafrikanischen Küste, dessen Umstände zur Kritik an der französischen Regierung Anlass gaben.

Im Juli 1816 war die unter französischer Flagge segelnde Fregatte „Medusa“ vor der afrikanischen Küste gekentert. Ihr Kapitän, ein Günstling der regierenden Bourbonen, hatte bei der Rettungsaktion die Taue zwischen seinem Boot und einem mit einfachen Matrosen besetzten Floß kappen lassen. Erst mehrere Wochen später hatte man dessen durch Krankheit, Hunger, vielleicht sogar Kannibalismus stark dezimierte Besatzung retten können.

GÉRICAULT brach hier in doppelter Weise mit dem Klassizismus: Er wählte ein nicht repräsentatives und unheroisches Thema aus dem aktuellen Zeitgeschehen, und er entschied sich für eine bis dahin ungekannte Wahrhaftigkeit in der Darstellung realistischer Details anstelle abstrakter Formideale. Die „Medusa“, als Floß identifiziert, wurde im Pariser Salon von 1819 auch politisch zum Stein des Anstoßes. Man verstand das Bild als Anklage gegen die korrupte Regierung.

JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775–1851)

Der Engländer JOSEPH MALLORD WILLIAM TURNER (1775–1851) ist einer der originellsten Künstler der Neuzeit. TURNER begann mit dem Kolorieren von Stichen und studierte ab 1789 an der Royal Academy in London.

Sein Interesse galt zunächst der Landschaftsmalerei. Auf seinen Reisen in England und Wales entstanden Zeichnungen und Aquarelle von alten Schlössern, Kathedralen und Küstenlandschaften. Erste Ölbilder schuf TURNER 1796. In der Folgezeit schuf er Landschaftsbilder und Seestücke, die er oft auch durch mythologische Figuren und dramatische Motive ins Unwirkliche steigerte.

TURNERs Landschaftsbilder sind ein Vorspiel von Impressionismus, Expressionismus und Informel. Er gilt als der „Entdecker“ der „Stimmungslandschaft“ und schuf daher als erster jene Richtung in der Landschaftsmalerei, welche nicht die Gegenstände selbst, sondern den Eindruck darstellen will, den sie unter gewissen Lichtverhältnissen machten. So gesehen ist er der wahre Vorläufer der Impressionisten und das etwa zwei Generationen vor den Franzosen.

TURNERs Bilder bringen völlig neue Modi und Klangfarben in die Malerei des 19. Jahrhunderts ein. Er malte seine Landschaften, Tageszeiten, Wetterzustände, Wolkenbildungen mit aufgelöst-verwischten Konturen, dazwischen scharfe Details. Sein Gemälde „Regen, Dampf, Geschwindigkeit“, 1844, ist eine der ersten Eisenbahndarstellungen überhaupt: Aus einem nebulösen Farbgewölk drängt die eiserne Dampfmaschine – Hässlichkeit und Großartigkeit der von der Industrie veränderten Welt zugleich ansprechend.